Mystère, scénarios et terreur : nous avons parlé avec M. Night Shyamalan et Gael García Bernal de Tiempo, son dernier film

M. Night Shyamalan est de retour, un retour loin de l’environnement super-héroïque qui le ramène à ce mystère dans lequel il sait si bien se débrouiller. Conditions météorologiques, son dernier film, dont vous avez déjà la critique disponible dans cette sainte maison, ne cache pas sa prémisse. En effet, après traduction, le titre est, si possible, encore plus explicite (Ancien en version originale). Il n’est donc pas surprenant que les bandes-annonces s’efforcent de montrer sans crainte l’approche centrale du film : un décalage temporaire qui affectera une série de personnages situés sur une plage mystérieuse. C’est quelque chose qui m’a surpris lors du premier visionnage, car il n’est pas difficile d’imaginer un scénario dans lequel la promotion a été beaucoup plus concise dans les détails et a fini par générer un mystère qui ne sera résolu que lorsque il me semble être (comme dirait Alex DeLarge) la bande, avec son choc conséquent et ultérieur lors de la découverte du gâteau. Et oui, je le trouve toujours plus attirant, mais je comprends le mouvement, puisqu’en réalité, le Temps ne pointe pas vers un grand mystère, il ne s’efforce pas de générer des attentes autour d’une vérité cachée à nos yeux, plutôt, semble se concentrer sur la route, mettant l’accent sur la façon dont une telle situation particulière affecterait la distribution des personnages qu’elle place devant la caméra. De tout cela, et de quelques autres choses, j’ai pu parler, avec Gaël Garcia Bernal et avec les siens M. Night Shyamalan, dans une interview qui nous a été accordée à l’occasion de l’avant-première du film en question.

Les émotions comme marqueurs temporaires

La première question à se poser était, comment pourrait-il en être autrement, la gestion particulière du temps qui fait le film. D’après ce que nous pouvons lire, la plage exerce une sorte d’action sur l’environnement qui se traduit par une accélération temporelle drastique, et cela a des effets visibles sur les personnages principaux. Dans ce sens, le réalisateur et son équipe ont trouvé la clé pour montrer cette accélération temporaire de manière naturelle, fuyant l’attrait classique de la prothèse et focalisant l’attention sur d’autres aspects. Lorsque vous demandez Shyamalan Sur la difficulté de trouver la clé de cet équilibre, il souligne ce qui suit :

“Cette question est très importante pour moi, car elle est curieuse, nous étions face à un film sur le vieillissement, mais ne voulions pas attirer le public avec les prothèses faciales typiques, ce n’est pas la raison de venir voir ce film. Je voulais que l’évolution soit naturelle, et à cet égard les émotions sont les plus importantes, pas les effets visuels et ce genre d’artifice. Nous essayons de traiter l’idée du vieillissement de différentes manières. Parfois, nous allons au casting pour couvrir certains besoins, et dans d’autres, nous recourons à des plans fermés dans lesquels nous ne montrons qu’une oreille, une main ou des choses comme ça, essayant de laisser entendre que quelque chose a changé et laissant cette idée là pour le spectateur. Oui, il y a eu des moments où nous avons eu recours à des prothèses, mais de manière très très progressive, en essayant de refléter l’idée que cette personne est en train de changer mais sans que ce soit un facteur qui distrait le spectateur.”

Dans cette évolution émotionnelle dont il parle, une grande partie de l’essence de ce travail est cachée, quelque chose sur lequel il réfléchit aussi Gaël Garcia, qui avait la responsabilité d’exprimer tous ces sentiments :

“C’est le pilier principal du film, le temps est le dénominateur commun de l’existence. Puisque nous sommes conscients, nous commençons à comprendre que le temps passe exactement de la même manière pour tout le monde (même si ce n’est pas exactement comme ça dans tous les endroits de l’univers). Mais quand nous avons commencé à travailler avec ce décalage temporel, nous avons vu à quel point le choc est fort pour les personnages, et là nous sommes entrés dans une sorte de thriller métaphysique phasique dans lequel nous avons essayé d’imaginer ce qui arriverait à ces personnes face à cette prémisse. Il s’agit de quelque chose d’assez compliqué à interpréter car ça n’existe pas, il n’y a pas de logique psychologique, c’est une situation très folle et on est absent de références.” (Gaël Garcia Bernal).

L’importance capitale du casting dans le Temps

Gael apporte à la table une question importante, le absence de références claires ou immédiates pour les événements qui se produisent dans cette histoire qui adapte Shyamalan (rappelez-vous que le script est basé sur la bande dessinée française Sancastle). Ce facteur, qui a un impact direct sur l’interprétation, affecte également la production, générer des besoins spécifiques et très particuliers lors de la coulée nécessaire aux personnages. Et là, le film s’en sort aussi bien.

“Le casting est, pour moi, l’une des parties les plus magiques de tout le processus, peut-être même la partie la plus pertinente de l’art du cinéma. En raison de la pandémie, j’ai eu plus de temps, nous étions tous à la maison et tout le monde était prêt à auditionner , mais bien sûr, ils étaient en solo. le casting n’est pas limité à une personne jouant un rôle, je ne devrais pas me concentrer sur Vicky Krieps uniquement pour jouer Prisca, il s’agit de choisir Vicky et un garçon qui devra d’abord jouer avec Vicky puis avec Vicky et Thomason, formant un tout qui doit se compléter correctement. C’est la combinaison de ces couleurs et comment chacune d’elles affecte les autres qui fait un bon casting et génère, grâce aux acteurs, cette peinture finale qui fonctionne par elle-même.” (M. Night Shyamalan).

Bien sûr, le réalisateur ne semble pas très malavisé, puisque en interrogeant Gael sur ses motivations pour rejoindre le projet, se distingue comme l’un des plus pertinents la possibilité d’agir aux côtés de Vicky Krieps (ce qui l’a laissé ébloui par Phantom Thread), notant la bonne ambiance qui s’est créée sur le plateau et le fait que les deux sont devenus de bons amis. De ce qui est clair, le casting n’a pas seulement bien fonctionné à l’écran.

L’adaptation de Shyamalan, les clés de son processus d’écriture

Tous ces besoins qui ont façonné le processus de choix des acteurs partent des particularités de un script qui donne plus d’agence au temps qu’à l’espace, présentant des points de suspension temporaires qui peuvent être trompeurs et des conséquences logiques, mais non moins surprenantes. Tout cela ajoute une difficulté supplémentaire à la rédaction de votre texte, quelque chose qui s’ajoute également au fait que nous sommes cette fois face à un Shyamalan qui, au lieu d’écrire sa propre histoire, adapte le travail d’un tiers :

“Au départ, le processus était un peu différent, J’adaptais quelque chose et cette partie était différente de la façon dont je travaille habituellement. Mais une fois que j’avais tracé les grandes lignes, de là à la fin, c’était très similaire au reste de mes films. Il s’agit de trouver le langage et de comprendre à quoi vous voulez que la structure ressemble ; quand les personnages devraient-ils s’échapper d’un tel endroit, quand un tel individu devrait-il mourir, etc. Il faut trouver l’équilibre et trouver l’émotion nécessaire au genre, et c’est un équilibre compliqué, on a de l’humour d’un côté et de la tension de l’autre, et il est difficile de les faire travailler ensemble. D’un autre côté, je pense il faut faire très attention à ne pas faire de la fin le script lui-même, à ne pas manger le filmPuisqu’il faut que ce soit le contraire, la fin doit être au service du film et l’honorer.”

L’autre grand protagoniste de cette histoire est la plage, qui agit comme l’espace dans lequel ces fluctuations temporelles particulières se produisent. Un endroit paradisiaque qui, petit à petit, doit commencer à submerger le spectateur. C’est quelque chose que son réalisateur réalise grâce, par exemple, au positionnement de la caméra, en fournissant des cadres fermés dans lesquels il n’y a pratiquement pas de plans aériens et détaillés qui affectent la détérioration rapide du sujet. Bien que l’étalonnage des couleurs choisi pour le film ou les limites physiques de l’environnement lui-même aient également quelque chose à dire ici. De cette façon, l’intrigue côtière idyllique finit par contribuer à la création de tension, tout en donnant une continuité aux scènes, grâce au plan de tournage rigoureux expliqué dans le petit s’enfuir que nous attendions il y a quelques semaines.

Le défi logistique d’un film très Shyamalan

Il s’avère que Tiempo, bien qu’il ne soit pas un blockbuster majeur, a fini par être un défi logistique. Comme l’explique Gaël lui-mêmeAu cours d’une journée normale de tournage, ils avaient ce qu’ils appelaient trois niveaux de temps. Une première dans laquelle ils devaient tourner le matin, une autre dans laquelle ils tournaient à midi et une troisième réservée à l’après-midi-nuit. Cela a abouti à une sorte de triade de tournage dans laquelle l’équipe a dû affronter des journées marathon, en même temps qu’ils affrontaient les intempéries de travailler sur une plage avec des changements de marée.

Le résultat final est déjà dans les salles, et sa réception inégale je pense est quelque chose qui va devenir un tonique. Or, si on regarde les films dans lesquels le réalisateur s’est laissé emporter par son cinéma, on pourrait ériger ce type de réception comme quelque chose de moyennement courant. Cela, par contre, reste une bonne nouvelle, puisque peut être lu en termes de continuité et de fidélité à un style qui s’est avéré plus que rentable, tant qu’il évolue dans une production moyenne. Il y aura sûrement peu de gens qui positionneront Time comme l’un de leurs films préférés dans la filmographie de l’auteur, mais parler d’elle est des plus stimulants.